Nota: 8,5

Os inúmeros problemas de pós-produção de “Caso 39″ (Case 39, 2009) são um fato nada chamativo para o longa. Arrecadando apenas US$ 14,6 milhões ao redor do mundo, o filme começou a ser produzido em 2009, teve a estréia adiada várias vezes e, ao meu ver, passou a despertar menos interesse do público. No entanto, mesmo após mexerem e remexerem cenas e a montagem, este longa de estréia do diretor alemão Christian Alvart, mesmo utilizando um gênero já bastante explorado (o de crianças más, representado otimamente pelo recente “A Órfã”), consegue agradar bastante com uma trama ágil e despreocupada com passar a realidade o tempo todo para o espectador.

Emily Jenkins (Renée Zellweger) é uma assistente social extremamente dedicada que recebe de seu chefe seu 39º caso, referente à garotinha Lilith Sullivan (Jodelle Ferland), bastante anti-social e estranha. Aparentemente tratada com violência por seu pais, Lilith caiu muito de rendimento na escola e não dormia mais. Os temores de Emily são confirmados quando precisa salvar a garotinha de uma tentativa de assassinato por parte de seus pais, que tentam matá-la queimada em um forno.  Emily, então, decide cuidar pessoalmente de Lilith até que surja uma família para adotá-la. Mas é aí que o terror começa…

Com um início no melhor estilo devagar-quase-parando, a trama de Caso 39 é monótona em seus minutos iniciais. No entanto, após o primeiro evento-chave, a história toma um rumo interessantíssimo, mesmo com um fraco desenvolvimento de personagens do início do filme. Alvart consegue criar um clima de tensão bastante eficiente, através da boa fotografia e de bastante ousadia. Os momentos de devaneio da protagonista (muito bem feita por Renée Zellweger) são totalmente realistas, e não passam com um piscar de olhos. Esse é, talvez, o maior acerto do filme, que dá origem a cenas realmente assustadoras. A cena do armário, situada próximo aos momentos finais do filme, é uma das melhores da projeção em virtude desse recurso muito bem utilizado pelo diretor estreante. Nesse filme, terror físico e psicológico estão unidos de tal maneira que, por vários momentos, não conseguimos diferenciar o que é o quê. Há de se destacar, também, o fator psicológico da protagonista que, ao mesmo tempo em que tem certeza do que está acontecendo, tem sua sanidade posta em cheque como na cena descrita anteriormente.

O modo como Alvart mata seus personagens também é interessantíssimo. Não, não é inovador, mas também não é uma cópia dos trocentos filmes iguais que vemos por aí ao longo dos anos. As pessoas não recebem ligações da Samara dizendo que morrerão dentro de 7 dias nem cometem suicídio por causa de um vírus que está no ar; há lógica, há tensão, há medo. Além do modo, as mortes em si são bastante estilosas, com total destaque para a primeira. Apesar de ter pontos fortes em número muito maior que os fracos, Caso 39 bóia em seus clichês. Como sempre, há a pessoa desesperada, a pessoa que não acredita em nada e diz que a que acredita está louca e por aí vai. No entanto, Alvart também sabe surpreender seu espectador, como acontece no final do filme. O diretos nos mostra como transformar em surpresa algo que parecia óbvio, presenteando-nos com um final digno do restante de seu longa: de tirar o fôlego.

Do elenco de Caso 39, os únicos atores que eu conhecia anteriormente eram Renée Zellweger (de Cold Montain e Bridget Jones) e Bradley Cooper (do ótimo O Último Trem). Surpreendi-me bastante com o funcionamento de todo o elenco em cena, entrosados e envolvidos na trama. Renée está OK como protagonista, por vezes exagerando nos tons de voz e expressões faciais, mas acertando na maioria das vezes. Kerry O’Malley e Callum Keith Rennie, que interpretam os pais de Lilith, vão muito bem com o papel de pais insanos da garota, transmitindo um realismo bastante desagradável (no melhor sentido da palavra). Bradley Cooper, interpretando Doug, amigo e flerte de Emily, vai muito bem, confirmando totalmente minhas impressões a seu respeito tiradas do filme O Último Trem. Mas a maior surpresa, novamente, está na “garotinha do demônio” interpretada pela muito competente atriz Jodelle Ferland. Em seu oitavo filme, a atriz canadense de apenas 14 anos tem carisma e consegue transmitir tudo de que sua personagem precisa para passar o medo necessário ao bom andamento do longa. Com mais este nome, a nova geração de atores (muito bem representada por Nathan Gamble e Isabelle Fuhrer, dentre o que me lembro agora) promete retomar aos velhos tempos, em que, para ser ator ou atriz, era necessário ser bom, não só ter beleza como está sendo a nova moda de Hollywood.

Caso 39 é mais uma das agradáveis surpresas, um terror acima da média que não é atrapalhado por seus clichês. Muitos acertos, poucos erros e um filme imperdível para quem gosta do gênero. Grande acerto do então estreante diretor Christian Alvart.

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Vejo vocês no domingo!

Nota: 10

Quando lemos a simples sinopse de “A Órfã” (The Orphan, 2009), normalmente pensamos que se trata de apenas mais um terror barato como os que enchem as salas de cinema atualmente. Explorados pela primeira vez em 1956, com “Rhoda”, os terrores envolvendo crianças más ganharam destaque do fim da década de 1970 e em toda a década de 1980, com destaque para “A Profecia” (1974),  “A Colheita Maldita” (1984) e “O Iluminado” (1980). A decadência dos anos 1990 foi superada pela chegada de títulos como “O Chamado” e os remakes dos dois primeiros filmes citados anteriormente na década de 2000, que foi fechada magistralmente por este “A Órfã”. Sem dúvida, o melhor dos filmes citados e um dos melhores da década, não caindo nos costumeiros clichês e sendo um filme de terror incrivelmente acima da média.

John (Peter Sarsgaard) e Kate (Vera Farmiga) são um casal com dois filhos que sofre com a perda de um bebê próximo de nascer. Para suprir a falta da criança, eles decidem adotar uma menina mais velha, a esquisita russa Esther (Isabelle Fuhrman).  Mesmo alertados da dificuldade de adotar crianças com mais idade, o casal é atraído pela maturidade e pelo enorme carisma de Esther. No entanto, Esther não é a garota tímida e inteligente que aparentava ser no orfanato onde vivia. Ela acaba  totalmente com a paz da família, tendo em seu pai a confiança necessária para cometer seus atrozes e revoltantes atos.

Iniciando com a forte cena do aborto de Kate, a trama aumenta de intensidade à medida que passa, assim como sua tensão. Em suas primeiras aparições, Esther conquista não somente seus pais adotivos e sua irmã Max (Aryana Engineer), mas também os espectadores. Por algumas vezes, me peguei torcendo pela garota, principalmente nas cenas em que sofre bullying na escola. À medida que ela mostra sua verdadeira identidade, o espectador age como a mãe, com revolta, ódio e preocupação. Esther é, certamente, uma das crianças mais odiosas e assustadoras que já passaram pelas telas do cinema em toda a história (na minha opinião, está no topo). O modo como age é totalmente frio e calculista, mostrando que a maturidade percebida pelos pais à primeira vista chega a níveis extremos (a primeira cena que envolve uma arma e todos os crimes cometidos por Esther são a maior prova disso). O conjunto das abomináveis ações de Esther são revoltantes, levando espectadores mais envolvidos à trama, como eu, às lágrimas de raiva. Encoberta pelos irmãos através de suas ameaças e pelo pai por sua confiança, Esther é ameaçada unicamente pela certeza de sua mãe de que ela está por traz dos acontecimentos que aterrorizam sua família. Ex-alcoólatra, Kate não tem a confiança do marido, que acredita fielmente em tudo que Esther diz, fechando os olhos para o perigo que ronda constantemente sua casa.

A construção dos personagens é feita calmamente, da melhor maneira possível. Sem pressa para começar a chocar o espectador, Jaume Collet-Serra conduz extremamente bem a trama, dando-nos a oportunidade de conhecer seus personagens. No entanto, as escolhas de “para que lado torcer” acabam não sendo sempre as mesmas ao longo do longa, já que pequenas e cuidadosas reviravoltas (se é que podem ser chamadas assim) estão presentes em boa quantidade. O diretor acerta em tudo. A fotografia escura ajuda e nos permite enxergar perfeitamente as cenas, a boa trilha sonora é muito bem utilizada, as tomadas  e ângulos de câmera são sempre acertados, os sustos vêm em horas oportunas, os cenários e locações são muitíssimo bem aproveitados. Merece um imenso destaque, também, sua direção de atores. Ele faz funcionar imensamente bem o experiente casal Vera Farmiga e Peter Sarsgaard, que mostram uma química indispensável para a verossimilhança. No entanto, o maior ponto para Collet-Serra é o aproveitamento da desconhecida protagonista Isabelle Fuhrman. Ele extrai da jovem de 12 anos uma das melhores performances infantis que já vi no cinema (as atuações serão melhor explicadas no próximo parágrafo). Também marcante é o roteiro escrito por Alex Mace e David Johnson, com seus diálogos sempre inteligentes e o argumento interessante e, na medida do possível, inovador. Cenas que marcam e ficam na cabeça do espectador por vários dias são marca registrada deste filme, que, ainda por cima, diverte qualquer amante do terror. Os efeitos especiais são usados em baixa escala, substituídos pela excelente maquiagem, que é uma das responsáveis pela altíssima qualidade do final do longa, que será explicado mais à frente.

O elenco do longa é, também, um de seus pontos mais fortes (sim, os pontos fortes não acabam!). Desde atores mais experientes a mais novos, todos têm grande destaque, com atuações excelentes e muitíssimo verossímeis. Vera Farmiga, que interpreta a mãe atormentada pela perda do bebê e uma quase-tragédia decorrente de seu alcoolismo, é sensacional em cena. O desespero de sua personagem é visto com perfeição por meio de sua atuação, intensa e sufocante, na tentativa incessante de proteger seus filhos de Esther. Os momentos em que tenta convencer o marido da verdadeira face de Esther são agoniantes, e Farmiga mostra-nos como uma verdadeira mãe se comportaria vendo os filhos em iminente perigo. Peter Sarsgaard, interpretando Peter, não atinge o brilho de Farmiga, mas sua atuação é também excelente. O pai cético convence em seu amor incondicional pela filha adotiva, sendo, por muitas vezes, extremamente irritante. Aryana Engineer é a surda (e, claro, muda) Max, filha mais nova do casal, e tem uma atuação surpreendente. A pequena atriz, que aprendeu a linguagem de sinais na vida real em virtude de ter mãe surda, é excelente em suas expressões faciais meigas e, quase sempre, amedrontadas, fazendo com que a ausência de falas orais não seja sentida. O outro filho do casal, Daniel, é intepretado pelo jovem e experiente Jimmy Bennett, que se mostra muitíssimo promissor como ator em mais uma atuação de alto nível.

Deixei para falar de Isabelle Fuhrman em um parágrafo à parte. A jovem atriz, em seu primeiro trabalho no cinema, dá um show de atuação, ofuscando com facilidade o brilho dos experientes Sarsgaard e Farmiga. Isabelle acerta na entonação de voz, nas expressões faciais, nos gestos, em tudo! Encarnando sua personagem com a alma, a atriz é a grande vilã do ano de 2009 na minha opinião, sendo responsável por um dos papéis mais fortes e maus que já vi. Sua atuação é perfeita, e desbancaria inúmeras atrizes que ainda ganham o Oscar em virtude de seus nomes.

O final do filme é surpreendente e perturbador, sendo verossímil em virtude da ótima técnica utilizada pela equipe. Maquiagem, fotografia, efeitos sonoros, tudo colabora imensamente para a revelação do segredo de Esther, impossível de ser descoberto antes da sufocante seqüência final (que dura cerca de 20 minutos). Um filme forte e cruel que merece ser conferido por todo e qualquer amante do cinema. Para os amantes do terror e suspense, “A Órfã” é uma parada obrigatória, da qual ninguém sai arrependido. Sem dúvida, um dos melhores filmes do ano. Sem dúvida, um dos melhores filmes de crianças más da história do cinema.

Por Danilo Henrique

PS: Uma pequena explicação. Costumeiramente, eu posto, junto das críticas, os respectivos trailers. No entanto, julguei que o trailer de “A Órfã” contém muitas cenas reveladoras de segredos da trama, sendo considerado por mim um grande spoiler. Por isso, estou postando o comercial de TV que, além de ser mais resumido e não contar partes importantes, conta de maneira mais correta o que pode ser visto no filme.

Nota: 1.0

Quando assisti a “O Padrasto” (The Stepfather, 2009), pensando em colocá-lo como o primeiro filme da volta desde blog à ativa, imaginei que traria uma boa opção de filme para os que leem esta crítica. Infelizmente, tive uma imensa decepção ao ver que este se trata de apenas mais um remake totalmente sem qualidade como os lançados aos montes todo ano. Baseado no filme homônimo de 1987, O Padrasto foi considerado pelo respeitado site Cinematical um dos piores filmes de 2009, mesmo tendo obtido uma decente bilheteria nos EUA.

Susan Harding (Sela Ward) é uma mulher divorciada, traída pelo ex-marido com sua secretária, que tem três filhos. Seis meses após conhecer David Harris (Dylan Walsh), eles passam a viver juntos, como uma família aparentemente feliz e normal, principalmente após o regresso do filho mais velho, vindo do colégio militar, Michael (Penn Badgley). No entanto, com o passar do tempo e à medida que conhece melhor o novo padrasto, Michael passa a suspeitar que David não é quem realmente aparenta ser e que esconde vários segredos de seu passado.

Baseado em fatos reais, o filme não fez o sucesso esperado e a crítica o recebeu com paus e pedras. Esperava-se de seu remake um novo e melhor modo de contar a interessante história, mas o que se vê na tela é um filme sem força narrativa, sem tensão e, sobretudo, sem construção de personagens. O grande vilão David faz o estilo “paradão” e não desperta no espectador os sentimentos caraterísticos para vilões: ódio, desprezo, medo (o que é ajudado também pela decepcionante atuação do bom Dylan Walsh). As mortes não carregam tensão consigo e acontecem de modo rápido,  trazendo à mente de quem vê sempre os mesmos pensamentos, como “É só isso mesmo?” ou “Nossa, já acabou?”. A fotografia é sem graça, sempre a mesma e não omite detalhes que seriam importantes para passar a sensação de não saber o que está acontecendo. Mas isso tudo não chega perto do problema dos clichês. Ah, os clichês! Presentes em praticamente toda a película, eles irritam e nos fazem saber exatamente o que vai acontecer. O cara que chega quando algo sobre ele está sendo descoberto, uma bateria de celular que acaba quando não poderia acabar, um imprevisto que acontece quando não poderia acontecer, um homem sendo morto quando estava prestes a descobrir tudo sobre o passado do culpado… Há filmes que fazem uso dos clichês em seu favor, mas o diretor Nelson McCormick parecia não ter idéia do que fazer com seu material, colocando mais e mais sustos gratuitos e esperados no meio dos milhões de clichês já existentes. Direção que não conseguiu atingir o clímax do filme em seu momento de clímax, fazendo uma cena final monótona e risível, que nos faz lembrar facilmente dos mais fracos episódios da interminável série Sexta-Feira 13.

Mesmo recebendo uma direção fraca, o elenco do filme acaba se sobressaindo frente aos inúmeros defeitos da produção. Dylan Walsh, conhecido por fazer um dos papéis principais na ótima série Nip/Tuck, é um bom ator, indiscutivelmente. Mas a mesma expressão que fica em seu rosto durante praticamente toda a projeção incomoda, bem como os diálogos imbecis que é obrigado a protagonizar. No entanto, consegue sustentar bem seu personagem, muitíssimo mal construído. Sela Ward cumpre bem o papel de mãe que busca a felicidade após o divórcio, mas também sofre com os diálogos e com a fraca construção de personagens (vamos combinar, todos os personagens são mal construídos, não mencionarei mais isso a partir de agora). Sua crença desmedida em David pode ser considerada justificável, o que não ajuda o filme, já que o excesso de crença jogaria mais ainda o espectador contra o padrasto. O destaque do elenco fica para Penn Badgley, que interpreta o enteado do criminoso, o qual tenta a qualquer custo revelar a verdadeira identidade do homem. Acerta nas expressões faciais e no modo como profere suas falas, sendo o personagem mais verossímil (se é que podemos utilizar esta classificação para o filme) de toda a produção. Sua namorada no filme, a atriz Amber Heard, completa bem o elenco principal, como a pessoa que tenta desanimar Michael em suas buscas. Assim como Penn, sua atuação é corretíssima. As crianças que interpretam os outros filhos de Susan não têm o mínimo destaque no filme, sendo praticamente figurantes.

Enredo mal contado e inverossímil, personagens mal construídos e carência total de tensão ditam o ritmo deste O Padrasto, mais uma refilmagem totalmente desnecessária que agride o que conhecemos do bom cinema. Seu final dá abertura para o remake da continuação feita em 1989, o que promete mais um dos filmes dos quais devemos passar longe. Remakes normalmente são ruins, continuações, idem. Você arriscaria assistir ao remake de uma continuação?

Por Danilo Henrique.

Nota: 7.0

Após o enorme sucesso de público do primeiro filme (Harry Potter e a Pedra Filosofal), a série de J. K. Rowling foi às telas de cinema mais uma vez um ano depois, desta vez com o título de “Harry Potter e a Câmara Secreta” (“Harry Potter and the Chamber of Secrets”, 2002) e com praticamente a mesma equipe que levou a primeira aventura aos cinemas. Grande parte dos erros foi corrigida, mas o que vemos na segunda parte da milionária série ainda não é exatamente o que se pode esperar.

Depois de um conturbado primeiro ano na Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts, Harry (Daniel Radcliffe) mostra-se preocupado por não ter recebido notícias de seus amigos de escola durante as férias. Preso em seu quarto, Harry recebe a visita de Dobby, um elfo doméstico, que tenta a qualquer custo impedir que Harry volte à escola, alegando que há grandes conspirações envolvendo sua morte. Claro que a criatura não obtém êxito, e Harry, ao voltar para Hogwarts, depara-se com um grande mistério. Alunos estão sendo atacados e petrificados e, pela inscrição em sangue que se encontrava no local do primeiro ataque (“A Câmara Secreta foi aberta. Inimigos do herdeiro… cuidado!”), os mais antigos no castelo acreditam que a Câmara Secreta foi reaberta e seu segredo mortal foi libertado novamente. E, junto com isso, surge o temor de que, assim como na outra vez, uma pessoa seja morta pelo monstro da câmara. Harry, Rony (Rupert Grint) e Hermione (Emma Watson) dedicam grande parte de seu tempo para desvendar o mistério, o que os leva a desvendar segredos de um passado que não morreu com o tempo.

Este segundo filme da milionária série, até por manter diretor e roteirista, é bastante parecido com o primeiro. O clima de mistério e suspense aumenta, mas poderia ter sido mais bem explorado pelo falho diretor Chris Columbus (em sua despedida da série). Já a magia e a “inocência” contidas em “… a Pedra Filosofal” continuam muito presentes, até porque essa história é ainda infantil se comparada aos filmes que vêm em seguida. Outro fator que se manteve praticamente intacto foi a direção de Chris Columbus, que permanece bastante burocrática. O diretor não muda nada do roteiro e o filme continua sem ter um toque pessoal do diretor. O roteiro, mais uma vez escrito por Steven Kloves supera bastante o primeiro, tanto pela maior presença de elementos de ação quanto pela menor preocupação em apresentar lugares e pessoas. Kloves mostra-se mais adaptado à série e consegue transmitir com sucesso o que Rowling escreveu em sua obra. No entanto, o roteirista erra em estender demais a história, pois um livro de 287 páginas não precisa de 161 minutos para ter sua história contada. Isso acaba deixando a trama, por vezes, com o ritmo desacelerado demais, deixando o espectador cansado e entediado. Mas não dá para negar que Columbus tenha culpa, já que as cenas muito grandes e algumas vezes sem ação têm um dedo do diretor, assim como seus cortes inesperados e, novamente, o caráter episódico.

Mais uma vez, a parte visual é a que merece maior destaque. Se “Harry Potter e a Pedra Filosofal” foi indicado ao Oscar em 3 categorias, é de total injustiça que este não tenha sido em nenhuma, já que a direção de arte, o figurino (categorias que renderam indicações a “… a Pedra Filosofal”) e os efeitos especiais estão melhores que o primeiro. O jogo de quadribol é infinitamente superior ao retratado no primeiro filme, e o cenário da cena final é espetacular, assim como é a seqüência do vôo do carro até Hogwarts. Nos efeitos especiais, não há vestígio do bizarro trasgo mostrado no primeiro filme. Dobby é extremamente verossímil e bem feito, assim como as aranhas da floresta proibida (sobretudo a aranha maior, Aragogue) e o enorme basilisco. O figurino é bastante parecido com o primeiro, mas há uma sensível melhora, até pelo fato de que o orçamento ficou mais gordo para este filme (estimado em mais de 100 milhões de dólares). Por vezes parecido com o de filmes de época, o figurino de “Harry Potter e a Câmara Secreta” acerta sempre, desde os uniformes de quadribol até as roupas cotidianas dos alunos. A parte sonora do longa também é excelente e a trilha sonora é bastante parecida com a do primeiro. Os efeitos sonoros acertam por não serem abusivos e descrevem quase que com excelência o que se passa na tela.

As atuações, assim como no primeiro filme da série, são em alto nível. Daniel Radcliffe está mais maduro como Harry Potter e sua atuação condiz com o momento pelo qual passa seu personagem. Rupert Grint está mais à vontade como Rony Weasley e sua comicidade está mais acentuada; já Emma Watson continua com suas expressões exageradas, mas nada que atrapalhe sua exibição perante as câmeras. O elenco adulto é praticamente perfeito, com um Alan Rickman mais uma vez inspirado como o Professor Snape e com Robbie Coltrane em ótima sintonia com seu personagem, Rúbeo Hagrid. Temos também um Richard Harris fenomenal no último papel de sua carreira, mais uma vez como um Alvo Dumbledore imponente e aparentemente cansado; e Maggie Smith com sua constante elegância como a Professora Minerva McGonagall. Kenneth Branagh mostra-se cômico com seu Gilderoy Lockhart, o famoso (e charlatão, diga-se de passagem) professor de Defesa Contra as Artes das Trevas; sua atuação é segura e o ator é naturalmente engraçado. Jason Isaacs aparece pela primeira vez na trama como Lucio Malfoy (pai de Draco Malfoy), e, com um papel curto e importantíssimo, o britânico não deixa a desejar.

Apresentando uma melhora com relação ao primeiro filme da série, “Harry Potter e a Câmara Secreta” continua com um menor número de erros em relação aos acertos, mas fica a sensação de que falta algo a mais. Chris Columbus, em sua despedida da série, faz um trabalho mais correto, mas ainda não consegue levar o mundo de Rowling com total sucesso para as telas. É um bom filme, mas, ao final, fica o gostinho amargo de que poderia ter sido bem melhor.

Por Danilo Henrique

Nota: 6.5

A série “Harry Potter”, baseada nos livros de J. K. Rowling, inciciou-se em 2001 sem total certeza de que continuaria. O principal motivo que poderia ser apontado era quantidade de histórias que a britânica escreveria, pois ela sempre disse que iria levar a série até o sétimo livro (e a qualidade e o sucesso das vendas dos livros sempre garantiram a extensão da série). Então, em 2001 surgiu este “Harry Potter e a Pedra Filosofal” (“Harry Potter and the Sorcerer’s Stone”, 2001), que, mesmo não tendo metade da magia dos livros de Rowling, deu início a uma das maiores febres infanto-juvenis (hoje alcançando adultos que eram infanto-juvenis na época), deu um imenso agrado aos milhões de fãs que os livros já tinham e recrutou outros milhões (como eu) que ainda não conheciam a história.

Harry Potter (Daniel Radcliffe) é um garoto que sobreviveu à morte com apenas um ano, quando um maligno bruxo matou seus pais e não conseguiu levá-lo também (motivo pelo qual tem uma cicatriz em forma de raio na testa). Então, ele foi levado para a guarda dos tios, onde era constantemente maltratado. Então, ao completar 11 anos, ele recebe a revelação de que é bruxo, descobre a verdadeira causa da morte de seus pais (bem como da sua sobrevivência ao mesmo feitiço) e vai para a Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts, onde aprende a usar seus grandes poderes. E, ao lado de seus amigos Rony Weasley (Rupert Grint) e Hermione Granger (Emma Watson), passa por vários perigos e, finalmente, volta a encarar o mal que lhe tentou tirar a vida 10 anos antes.

“Harry Potter e a Pedra Filosofal” é, sobretudo, um filme destinado ao público mais jovem (é uma imensa crueldade falar que é um filme para criancinhas), mas acaba tendo elementos para agradar os mais velhos. Sendo a história mais bobinha e infantil da série, este filme põe na mesa o verdadeiro valor da amizade e tem certo clima de perigo e mistério que acabam prendendo a atenção dos mais crescidinhos. O clima de mistério poderia ser mais aproveitado pelo diretor Chris Columbus, que não consegue dar à narração seu toque pessoal, fazendo exatamente tudo que está no roteiro. Sua direção é altamente burocrática e impessoal, fazendo com que sua participação no longa seja apenas uma transposição do roteiro para a tela. No entanto, o grande mérito do diretor é saber tirar grandes atuações de seu elenco mirim, que funciona muito bem. Chris, que tem experiência ao trabalhar com crianças em “Esqueceram de Mim” e “Uma Babá Quase Perfeita”, acaba não levando o longa à derrocada total pela sua habilidade com atores. O roteiro seguido completamente à risca ficou a cargo de Steven Kloves, que assinou quase todos os filmes da série. Kloves soube cortar o que era desnecessário, colocar o necessário e não deixar o longo filme o menos maçante possível (mesmo que, em algumas partes, o enredo acabe se arrastando um pouco). Certamente, o roteirista mais adquado para a série.

A parte visual de “Harry Potter e a Pedra Filosofal” é excelente, sobretudo a direção de arte indicada ao Oscar (derrotada pelo soberbo “Moulin Rouge”). Os cenários reproduzidos na tela são exatamente o que grande maioria dos fãs imaginam lendo a obra britânica. As reproduções mas caprichadas foram, sem dúvida, do mágico Beco Diagonal e do imponente Banco Gringotes. O jogo de quadribol representado, mesmo sendo ligeiramente artificial, é muito bom e também condiz com o que os leitores esperam. A Floresta Proibida, citada como o lugar mais perigoso da escola, é traduzida com perfeição, com o aspecto sombrio e perigoso retratado no livro. Além da espetacular direção de arte, merece destaque também na parte visual o exuberante figurino, também indicado ao Oscar de 2002. Todos os atores incrivelmente bem vestidos, o que dá ao filme uma verossimilhança a mais. O único problema da parte visual do longa acaba sendo os efeitos especiais. O trasgo, monstro que mais desperta o imaginário de quem lê a obra de Rowling é esdruxulamente produzido, parecendo vindo de um obsoleto video game de terror. A representação de Lord Voldemort é superior em qualidade à do trasgo, mas fica longe de dar a sensação de medo que seu personagem exige. Os centauros da Floresta Proibida são tratados com mais cuidado que os citados anteriormente, mas ainda assim acabam pedindo “algo mais”.

O elenco de “Harry Potter e a Pedra Filosofal” é  ponto altíssimo na produção. O número de talentos britânicos reunido é impressionante, o que facilitou muito o trabalho do diretor com a direção de atores. Maggie Smith (indicada a dois Oscar) aparece como a séria professora Minerva McGonagall, dando-lhe uma verossimilhança impressionante, e sendo a personagem mais parecida com o que se encontra nas páginas de J.K. Rownling. Alan Rickman interpreta o frio Severo Snape com enorme competência e Richard Harris dá vida a Alvo Dumbledore, o amoroso e brilhante Dumbledore. No penúltimo filme de sua vida, Harris é um Dumbledore com menos vivacidade e mais imponência. No elenco adulto, também há de se destacar a breve aparição de John Hurt como o vendedor Olivaras e de Robbie Coltrane como Rúbeo Hagrid, ambos com atuações seguras e timings corretos. No elenco mirim, Daniel Radcliffe, Rupert Grint e Emma Watson (Harry, Rony e Hermione, respectivamente) mostram-se ótimas escolhas para seus papéis. Os três são muitíssimo seguros (apesar de Watson exagerar um pouco em suas expressões) e dão a seus personagens grande vivacidade e dinamismo.

O longa, apesar de seus 152 minutos de duração, acaba tendo a história abordada de forma superficial em detrimento da apresentação de personagens e do mundo bruxo, o que acaba tornando-o mais desagradável para os que já leram a obra de Rowling. O caráter “episódico” contribui para que os longos 152 minutos passem mais devagar e de maneira mais arrastada, já que as cenas parecem não ter grande conexão entre si.

“Harry Potter e a Pedra Filosofal” foi uma maneira boa de se começar a milionária série, mesmo não sendo um grande filme. É, sem dúvida, o mais fraco dentre os seis filmes já lançados, mas não se pode negar que a magia introduzida por Chris Columbus é cativante para quem não acompanhava os livros e realizadora para quem acompanhava. Um bom filme para os mais novos, um bom passatempo para os mais velhos e uma boa abertura para a série.

Por Danilo Henrique

Melhor Filme

Aposta do site: “Milk – A Voz da Igualdade”

Vencedor: “Quem Quer Ser um Milionário?”

Melhor Direção

Aposta do site: Stephen Daldry (“O Leitor”)

Vencedor: Danny Boyle (“Quem Quer Ser um Milionário?”

Melhor Ator

Aposta do Site: Mickey Rourke (“O Lutador”)

Vencedor: Sean Penn (“Milk – A Voz da Igualdade”)

Melhor Atriz

Aposta do Site: Meryl Streep (“Dúvida”)

Vencedora: Kate Winslet (“O Leitor”)

Melhor Ator Coadjuvante

Aposta do Site: Heath Ledger (“Batman – O Cavaleiro das Trevas”)

Vencedor: Heath Ledger (“Batman – O Cavaleiro das Trevas”)

Melhor Atriz Coadjuvante

Aposta do Site: Viola Davis (“Dúvida”)

Vencedora: Penélope Cruz (“Vicky Cristina Barcelona”)

Melhor Filme de Animação

Aposta do Site: Wall-E

Vencedor: Wall-E

Melhor Filme de Língua Estrangeira

Aposta do Site: Revanche (Áustria)

Vencedor: Departures (Japão)

Melhor Roteiro Original

Aposta do Site: Wall-E

Vencedor: Milk – A Voz da Igualdade

Melhor Roteiro Adaptado

Aposta do Site: O Curioso Caso de Benjamin Button

Vencedor: Quem Quer Ser um Milionário?

Melhor Figurino

Aposta do Site: A Duquesa

Vencedor: A Duquesa

Melhor Maquiagem

Aposta do Site: O Curioso caso de Benjamin Button

Vencedor: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Montagem

Aposta do Site: Batman – O Cavaleiro das Trevas

Vencedor: Quem Quer Ser Um Milionário?

Melhores Efeitos Visuais

Aposta do Site: Batman – O Cavaleiro das Trevas

Vencedor: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Fotografia

Aposta do Site: O Curioso Caso de Benjamin Button

Vencedor: Quem Quer Ser um Milionário?

Melhor Som

Aposta do Site: Wall-E

Vencedor: Quem Quer Ser um Milionário?

Melhor Edição de Som

Aposta do Site: Batman – O Cavaleiro das Trevas

Vencedor: Batman – O Cavaleiro das Trevas

Melhor Trilha Sonora

Aposta do Site: Quem Quer Ser um Milionário?

Vencedor: Quem Quer Ser um Milionário?

Melhor Canção Original

Aposta do Site: Down To Earth (“Wall-E”)

Vencedora: Jai Ho (“Quem Quer Ser um Milionário?”)

Melhor Direção de Arte

Aposta do Site: O Curioso Caso de Benjamin Button

Vencedor: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Documentário

Aposta do Site: Águas de Katrina

Vencedor: Homem Equilibrista

Acertos: 7

Erros: 14

Melhor filme

A categoria mais esperada da premiação nos apresenta cinco concorrentes fortíssimos: “Milk – A Voz da Igualdade”, “O Curioso Caso de Benjamin Button”, “Frost/Nixon”, “O Leitor” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. Apesar da qualidade inegável dos indicados, vejo uma disputa mais acirrada entre os dois primeiros. “Milk – A Voz da Igualdade”, estrelado por Sean Penn, conta a história do primeiro político gay assumido eleito nos EUA, e arrancou aplausos em todos os lugares onde já estreou. “O Curioso Caso de Benjamin Button”, apesar de não ter enchido muito meus olhos, é um nome fortíssimo para levar a principal estatueta. Corre por fora o ótimo “O Leitor” (na minha opinião, melhor que “O Curioso Caso…”), que teve outras quatro indicações. Na minha opinião, foram bastante injustiçados os filmes “Batman – O Cavaleiro das Trevas” e “Wall-E”, que teriam lugar nessa lista, tranquilamente (discordo da indicação de “O Curioso Caso…” e de Frost/Nixon”). Mas meu favorito é “Milk – A Voz da Igualdade”.

Melhor Direção

O segundo prêmio mais disputado da academia é, normalmente, combinado com o primeiro: muitas vezes tivemos o diretor do melhor filme premiado com a estatueta de melhor direção. Neste ano, coincidência ou não, os cinco diretores indicados são exatamente os que dirigiram os cinco indicados a melhor filme. Temos Ron Howard (“Frost/Nixon”), Gun Von Sant (“Milk – A Voz da Liberdade”), David Fincher (“O Curioso Caso de Benjamin Button”), Danny Boyle (“Quem Quer Ser um Milionário?”) e Stephen Daldry (“O Leitor”). Mesmo com a tradição citada anteriormente, arrisco-me a não apostar em Gus Von Sant. Seu trabalho em “Milk” é genial, mas a intensidade de “O Leitor” não seria a mesma sem a direção de Stephen Daldry. Considero injusta a indicação de David Fincher, que fez um trabalho totalmente comum em “O Curioso Caso…”, inclusive prejudicando a história espetacular que tinha em mãos. Minha aposta é Stephen Daldry.

Melhor Ator

O prêmio para o melhor ator de 2009 pode ser a maior injustiça a ser cometida na 81ª edição do Oscar. Os cinco indicados são Brad Pitt (“O Curioso Caso de Benjamin Button”), Sean Penn (“Milk – A Voz da Igualdade”), Mickey Rourke (“O Lutador”), Richard Jenkins (“O Visitante”) e Frank Langella (“Frost/Nixon”). O porquê da injustiça? Tem-se falado muito no nome de Brad Pitt como o favorito a levantar a estatueta por sua atuação em “O Curioso Caso…”, mas acontece que sua atuação como protagonista da produção não teve nada de extraordinário. Extraordinário foi Mickey Rourke, que triplicou o brilho de “O Lutador” com sua atuação irretocável. Ainda corre por fora Sean Penn, com seu excelente Milk. Os membros da academia provavelmente darão o prêmio a Brad Pitt, mas eu insisto com Mickey Rourke.

Melhor Atriz

Certamente a categoria de prêmios individuais que menos deu trabalho à academia, “melhor atriz” é uma das categorias com indicações mais coesas deste Oscar (com uma ressalva, mostrada mais abaixo). As indicadas são Maryl Streep (“Dúvida), Kate Winslet (“O Leitor”), Melissa Leo (“Rio Congelado”), Anne Hathaway (“O Casamento de Rachel”) e Angelina Jolie (“A Troca”). Vamos, então, à ressalva. Na minha opinião, a atuação de Julianne Moore em “Ensaio Sobre a Cegueira” foi excelente, sendo merecedora de indicação (entraria no lugar de Melissa Leo ou de Anne Hathaway, que tiveram atuações piores que a sua). Kate Winslet foi ótima em “O Leitor” e Angelina Jolie finalmente foi reconhecida com uma indicação, deixando completamente para trás a fama de má atriz que tinha. Já Meryl Streep… É simplesmente óbvio demais dizer que Streep irá ganhar a estatueta, pois sua atuação em “Dúvida” foi memorável, sendo um dos pontos mais altos do longa (longa que teve, talvez, o elenco mais eficaz que já vi). Com toda a certeza, Meryl Streep é minha favorita.

Melhor Ator Coadjuvante

Nesta 81ª edição do Oscar, poderemos ter um fato inusitado: uma premiação póstuma. Os indicados para a categoria são Michael Shannon (“Foi Apenas um Sonho”), Josh Brolin (“Milk – A Voz da Liberdade”), Robert Downing Jr. (“Trovão Tropical”), Philip Seymour Hoffman (“Dúvida”) e Heath Ledger (“Batman – O Cavaleiro das Trevas”). Os francos favoritos são Philip Seymour Hoffman e Heath Ledger (que, se ganhar, será o primeiro Oscar póstumo entrege em 81 anos). Hoffman fez o padre possivelmente pedófilo em “Dúvida”, tendo uma atuação espetacularmente intensa e tensa. Ledger foi considerado o “melhor Coringa da história dos filmes do Batman”, com uma atuação sensacional. Apesar de considerar Hoffman um candidato muito forte, aposto no Oscar póstumo para Heath Ledger.

Melhor Atriz Coadjuvante

Com uma indicação absurda e quatro muitíssimo justas, a categoria de melhor atriz coadjuvante deve ter sido bastante acirrada nos votos da academia. As indicadas são Taraji P. Henson (“O Curioso Caso de Benjamin Button”), Viola Davis (“Dúvida”), Penélope Cruz (“Vicky Cristina Barcelona”), Amy Adams (“Dúvida”) e Marisa Tomei (“O Lutador”). O absurdo a que me referi anteriormente foi a indicação de Taraji P. Henson, com uma atuação nada mais que convencional em “O Curioso Caso…” (aposto que se sua atuação fosse repetida em um filme menor, nem seria cotada a ser indicada). Quanto às outras, todas foram merecedoras de indicação, sendo complicado demais fazer qualquer tipo de aposta. Mas, sem ficar em cima do muro, meu palpite é Viola Davis.

Melhor Filme de Animação

A maior barbada da do 81º Oscar, a categoria “melhor filme de animação” conta com três indicados: “Wall-E”, “Bolt – Supercão” e “Kung Fu Panda”. Na minha opinião, o maior injustiçado da categoria foi o ótimo “Horton e o Mundo dos Quem”, que merecia ser, ao menos, indicado. Quanto ao vencedor… Sem desmerecer a qualidade de “Bolt” e “Kung Fu Panda”, só um louco não daria a estatueta para “Wall-E”, sem dúvida o melhor filme de animação do ano (não só do ano, mas talvez da história). A qualidade de “Wall-E” é tão grande que, na opinião de muitos (posso ser incluído dentre esses muitos), o longa poderia ser indicado até para a principal categoria da premiação. Obviamente, meu palpite vai para Wall-E.

Melhor Filme de Lígua Estrangeira

Os indicados para a categoria são “Departures” (Japão), “Der Baader Meinhof Komplex” (Alemanha), “Valsa com Bashir” (Israel), “Entre os Muros da Escola” (França) e “Revanche” (Áustria). Confesso que não tive a oportunidade de assistir a nenhum dos cinco, mas, pelo que ouvi e li, minha aposta é em Revanche.

Melhor Roteiro Original

Mais uma categoria com indicações boas e coesas, “melhor roteiro original” tem cinco ótimos candidatos, mas dois grandes destaques. Os indicados são “Rio Congelado”, “Simplesmente Feliz”, “Na Mira do Chefe”, “Milk – A Voz da Igualdade” e “Wall-E”. Apesar dos três primeiros serem bons filmes com roteiros muito bem escritos, é inegável que a estatueta fique entre “Milk” e “Wall-E”. O primeiro é meu favorito para levar o prêmio de melhor filme, mas teria sido muitíssimo ameaçado se “Wall-E” estivesse concorrendo na mesma categoria (e obviamente ganhará o prêmio de melhor animação). Parece-me que o roteiro de “Milk” era mais “fácil” de ser escrito, por tratar-se de uma história real, o que, claro, não acontece em “Wall-E”. Pela genialidade e inventividade, meu favorito é Wall-E.

Melhor Roteiro Adaptado

Curiosamente, quatro dos cinco filmes indicados na categoria “melhor roteiro adaptado” foram também indicados na categoria de “melhor filme” deste Oscar 2009. Os indicados são “O Curioso Caso de Benjamin Button”, “Dúvida”, “Frost/Nixon”, “Quem Quer Ser um Milionário?” e “O Leitor”. O grande azarão da disputa é “Dúvida”, que, apesar da belíssima história, teve como maior destaque seu talentosíssimo elenco. Os outros quatro, até por terem sido indicados a melhor filme, carregam uma carga grande de importância. Reconhecendo a qualidade dos outros indicados, meu favorito é O Curioso Caso de Benjamin Button.

Melhor Figurino

Dentre as categorias técnicas, “melhor figurino” é uma das que eu considero de mais fácil escolha para esta premiação. Os indicados são “Foi Apenas um Sonho”, “Milk – A Voz da Igualdade”, “A Duquesa”, “O Curioso Caso de Benjamin Button” e “Austrália”. Todos os indicados têm belíssimos figurinos, embora “Milk” seja o de menos destaque. “Austrália” e “O Curioso Caso de Benjamin Button” têm figurinos excelentes e realistas, mas não conseguem superar a exuberância de “A Duquesa”. Com o figurino como ponto mais alto, meu favorito para a categoria é A Duquesa.

Melhor Maquiagem

A categoria “melhor maquiagem” poderia muito bem dividir a estatueta entre seus três excelentes indicados: “Hellboy 2 – O Exército Dourado”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas” e “O Curioso Caso de Benjamin Button”. Os três filmes têm visual exuberante, verdadeiros colírios para os olhos do espectador, e a maquiagem é um dos fatores responsáveis por tamanha beleza. Apesar do equilíbrio entre os três, considero “Batman - O Caveleiro das Trevas” um degrau abaixo dos outros. Entre os outros, como não posso ficar em cima do muro, fico com O Curioso Caso de Benjamin Button.

Melhor Montagem

Na categoria “Melhor Montagem”, temos os seguintes indicados: “Quem Quer Ser um Milionário?”, “O Curioso Caso de Benjamin Button”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “Frost/Nixon” e “Milk – A Voz da Igualdade”. Apesar de reconhecer o equilíbrio entre os cinco e a justiça das indicações, aposto em Batman – O Cavaleiro das Trevas.

Melhores Efeitos Visuais

Mesmo sendo apenas três indicados para esta categoria, considero que a academia conseguiu cometer um equívoco imenso com uma das indicações. Os indicados foram “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “O Curioso Caso de Benjamin Button” e “Homem de Ferro”. O equívoco a que me referi é a indicação de “O Curioso Caso…”, cujos efeitos especiais não foram bons a ponto de merecer uma indicação. Meu favorito é Batman – O Cavaleiro das Trevas, mesmo que “Homem de Ferro” tenha efeitos exuberantes.

Melhor Fotografia

Em uma das categorias com disputa mais acirrada desta 81ª edição do Oscar, temos os seguintes indicados: “O Leitor”, “O Curioso Caso de Benjamin Button”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “A Troca” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. Apesar de todos terem plenas condições de levar a estatueta, a fotografia emotiva de “O Curioso Caso…”, a sombria de “Batman…” e a tensa de “A Troca” são as mais cotadas, na minha opinião. Mas meu palpite vai para O Curioso Caso de Benjamin Button.

Melhor Som

O som é parte fundamental dos filmes, sejam eles de ação ou de romance, de terror ou animação. E os cinco indicados na categoria capricharam muito neste quesito. Os indicados foram “O Procurado”, “Wall-E”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “O Curioso Caso de Benjamin Button” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. O espaço que separa as cinco produções é mínimo, pois o equilíbrio é bastante visível, o que, com certeza, deu um imenso trabalho aos membros da academia. Mesmo querendo apostar nos cinco, meu favorito é Wall-E.

Melhor Edição de Som

A semelhança desta categoria com a anterior é evidente, tanto que, dos cinco indicados, elas têm quatro em comum. “Homem de Ferro”, “Wall-E”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “O Procurado” e “Quem Quer Ser um Milionário?” foram os indicados. Assim como a categoria anterior, há um grande equilíbrio entre os indicados. E assim como na anterior, os melhores são “Batman – O Cavaleiro das Trevas” e “Wall-E”. Mas, desta vez, minha aposta vai para Batman – O Cavaleiro das Trevas, com sua edição completamente perfeita.

Melhor Trilha Sonora

Equilíbrio é palavra-chave também na premiação para melhor trilha sonora deste 81º Oscar. Os indicados são “Um Ato de Liberdade”, “O Curioso Caso de Benjamin Button”, “Wall-E”, “Milk – A Voz da Liberdade” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. Ainda assim, os mais fortes concorrentes são “Wall-E” e “Quem Quer Ser um Milionário?”. E eu fico com Quem Quer Ser um Milionário?.

Melhor Canção Original

A lista das três canções indicadas nesta categoria mostra claramente quais foram as melhores trilhas sonoras de 2009. As indicadas são “O Saya” (“Quem Quer Ser um Milionário?), “Jai Ho” (“Quem Quer Ser um Milionário?”) e “Down To Earth” (“Wall-E”). Inegavelmente, as três canções são belíssimas, mas “Jai Ho” fica um degrau abaixo das outras duas. Tendo que escolher entre as duas restantes, fico com a mais emocionante, Down To Earth, de “Wall-E”.

Melhor Direção de Arte

Os indicados para direção de arte são “Foi Apenas um Sonho”, “A Duquesa”, “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, “O Curioso Caso de Benjamin Button” e “A Troca”.  Mais uma boa disputa entre “O Curioso Caso…” e “Batman…”. Desta vez, meu favorito é O Curioso Caso de Benjamin Button.

Melhor Documentário

Dentre os documentários indicados ao Oscar 2009, há de se ressaltar um curioso fato: a grande maioria tem grandes doses de drama e emotividade. os indicados são “The Garden”, “The Betrayal – Nerakhoon”, “Homem Equilibrista”, “As Águas de Katrina” e “Encounters at the End of the World”. Não tive a oportunidade de assistir aos cinco, mas os dois últimos me chamaram mais a atenção. E, entre os dois, fico com As Águas de Katrina.

Então, são esses os meus pitacos para as categorias mais importantes da premiação. Espero que tenham gostado. Aproveitem para participar, dêem suas opiniões também! E bom Oscar para todos!

Por Danilo Henrique

Nota: 10

Vez por outra, somos surpreendidos pelo lançamento de filmes notáveis, que nunca cairão no esquecimento. Aqueles filmes que, com uma idéia simples e bem desenvolvida, toca nosso coração e nossa mente a ponto de fazer-nos pensar durante horas, até dias, sobre o que vimos na tela. Em 2008, alguns filmes tiveram esse poder, como é o caso de “O Nevoeiro”, “Sangue Negro” e este “Wall·E” (idem, 2008). Dentre os citados, o único que não surpreende é “Sangue Negro”, pois “O Nevoeiro” é um filme de terror que aborda intensamente a psique humana, e “Wall·E” é a animação mais séria e brilhante que já vi passar pelas telas, podendo ser considerada um verdadeiro marco, já que seu público-alvo é, mais do que jamais foi visto, adulto. Não se pode dizer que o filme foi feito exclusivamente para adultos, mas a verdadeira mensagem passada é de mais fácil compreensão para os mais crescidos.

No ano 2700, a Terra não é mais habitada por humanos, que passaram a viver na nave Axiom. A Terra passou a ser um verdadeito depósito de lixo, e os homens, na esperança de ainda voltarem a viver no planeta, contratarem uma empresa limpar o mundo. Utilizando robôs, a empresa não obteve êxito, pois as máquinas, diante de uma tarefa praticamente impossível, começaram a pifar. A única que resistiu a tal trabalho foi Wall-E, cuja árdua rotina era continuar o trabalho deixado para trás pelas outras máquinas, compactando o lixo existente na Terra e formando torres imensas, que mais parecem prédios. Mas sua rotina é totalmente mudada quando uma nave pousa na Terra, e dela sai EVA, uma moderna robô projetada para encontrar qualquer sinal de vida no planeta, e levar para sua nave. No início assustado com os “poderes” de Eva, Wall-E logo se apaixona pela robô, e os dois passam a viver uma complicada relação, que é bastante atrapalhada quando Eva é levada de volta à nave de onde veio.

Apesar de, aparentemente, ser uma história de amor, o foco de ”Wall·E” não é exatamente esse, mas sim a mensagem de preservação da Terra. Mensagem cujo entendimento não é imposto para os espectadores, mas sim passado de forma simples e bastante inteligível, até para crianças. As cenas de Wall-E sozinho na Terra, cercado por pilhas e mais pilhas de lixo, com total ausência de vida (não total, mas isso eu deixo para você ver no filme), no mínimo, fazem as pessoas mais entendidas (leia-se mais velhas) refletirem bastante, e faz as menos entendidas desejarem que tal fato nunca aconteça com nosso planeta. A beleza visual do longa chega a ser incrível, com uma riqueza de detalhes que só ajuda o tom melancólico e sério do filme a ser potencializado. Às vezes, cheguei a visualizar o planeta Terra da maneira como foi retratada no filme, e vi que, se o homem continuar usando sua sapiência para transformar tudo em ciência, aquele é o futuro no nosso planeta azul, que está ficando cada dia com menos tons de verde e mais tons de cinza.

Além da mensagem principal que nos é passada, também devemos ressaltar a própria história do robozinho e do romance entre ele e EVA. Antes da nave aterrisar na Terra e mudar totalmente a rotina de Wall-E, vemos o robozinho em seu incansável trabalho e em seu hobby favorito: colecionar coisas que julga interessantes. Na lista de coisas que chamam a atenção de Wall-E, tem uma caixinha de anel (ele chega a tirar o anel de dentro para brincar com a caixinha), uma raquete de ping-pong com uma bolinha pendurada (o robô, claro, não faz a mínima idéia de como se brinca) um cubo mágico (que só é solucionado por EVA, em questão de segundos), e um extintor de incêndio. A curiosidade de Wall-E faz com que essas cenas em que ele encontra os objetos durante seu trabalho sejam divertidíssimas, dando ao começo do filme um brilhantismo ímpar, fazendo com que a atenção do espectador seja mantida ao longo de todos os 97 minutos de projeção. Quando EVA chega na Terra, em missão de sua nave, Wall-E ganha, a princípio, uma amiga que nunca teve, mas que, com o passar do tempo, passa a não ser exatamente apenas uma amiga. A relação de Wall-E e EVA é muito bonita, o que é reforçado pelo fato de ambos só falarem um o nome do outro. E é este um dos grandes diferenciais do longa, o fato de que os principais personagens não falam, relacionam-se apenas com gestos. Grande parte do filme é passada sem falas, apenas com os sons da movimentação dos robôs e, claro, eles falando o nome um do outro. Quando o cenário muda da inabitada Terra para a movimentada nave Axiom, a qualidade do filme dá uma leve caída, mas mantém-se em um nível poucas vezes visto.

A qualidade audiovisual de ”Wall·E” é completamente inegável e indiscutível. A cena mostrada na foto acima mostra o momento em que o casal de robôs, aproveitando a ausência da gravidade, faz uma espécie de dança no espaço. Só por ela, já dá para ter uma idéia do quão bonito e exuberante o visual do filme é visualmente. Com detalhes e clareza nunca vistos, eu me arriscaria a dizer que ”Wall·E” é o filme com melhor trabalho visual dentre as animações já criadas. O áudio é tão perfeito quanto o visual. Diante da ausência de diálogo entre os robôs, uma saída deveria ser encontrada, para que o filme não ficasse em silêncio total. Eis que surgem os sons de cada movimento de cada robô, o que soa perfeitamente realista e propício. É tão propício que os mais desatentos não percebem que não há diálogo, visto que o áudio está constantemente ativo. Se essa sacada foi acertadíssima, o que dizer das músicas? “Perfeitas” seria o adjetivo ideal, mas, como já foi usado algumas outras vezes nesta crítica, excelente é cabível. Músicas belíssimas, utilizadas nas horas certas e com os personagens certos. Tudo muito bem encaixado, não deixando margem para críticas. Os dubladores da versão em inglês (não tive a oportunidade de assistir em português) são muito bem escolhidos, principalmente o do capitão (Jeff Garlin) e de Wall-E (Ben Burtt; os sons emitidos pelo robô não seriam tão cativantes em outra voz). Por fim, temos o roteiro, simples, direto e sem furos, que dá origem a uma história magnífica, de qualidade praticamente inigualável.

Falar que ”Wall·E” é a melhor animação de 2008 é redundante e bastante óbvio, apesar do lançamento de outras boas animações no ano, como “Bolt”, “Kung Fu Panda” e “Horton e o Mundo dos Quem” (um dos maiores injustiçados nas indicações ao Oscar). Já falar que ”Wall·E” é a melhor animação já lançada nos tempos das animações em 3-D não é nenhum exagero, mas sim a retratação da mais pura realidade. Indicado ao Oscar em 6 categorias (Filme de Animação, Roteiro Original, Som, Edição de Som, Trilha Sonora e Canção Original), ”Wall·E” é um filme perfeito, considerado por mim favorito a levar, pelo menos, 3 estatuetas [Filme de Animação (a maior barbada da premiação), Roteiro Original e Trilha Sonora]. ”Wall·E” é sério candidato a ser um daqueles filmes imortais da Disney, que será lembrado para sempre e, conseqüentemente, virará um clássico dentro de alguns anos.

Por Danilo Henrique

Nota: 6.0

O lançamento de filmes musicais feitos para público adolescente têm sido cada vez mais freqüentes em Hollywood. Juntamente com a febre “High School Musical”, que chegou ao terceiro capítulo em 2008, veio este legalzinho “Ela Dança, Eu Danço” (Step Up, 2006), cujo título em português é simplesmente terrível (fazendo alusão a uma música de sucesso da época no Brasil), mas cuja história, apesar dos inúmeros clichês, agrada bastante. Mais um daqueles filmes que têm tudo para dar errado, “Ela Dança, Eu Danço” não chega a dar totalmente certo, mas tem certa capacidade de envolver e emocionar o espectador.

A história é bem simples, até bobinha. Tyler Gage (Channing Tatum), um adolescente encrenqueiro, que anda pelas casas noturnas e ruas de Nova York com seus inseparáveis amigos Mac (Demaine Radcliff) e Skinny Carter (De’Shawn Washington) arrumando confusão, depreda e invade uma escola de artes, e é condenado a prestar 200 horas de serviço comunitário no local, como faxineiro. Lá, no entanto, ele conhece uma bailarina que está montando sua coreografia de fim de curso, Nora Clark (Jenna Dewan). Nora, cujo parceiro está impossibilitado de ensaiar por ter lesionado a perna, procura desesperadamente um parceiro para continuar os ensaios até que sua dupla volte, mas não consegue encontrar ninguém à altura nas outras turmas da escola. É aí que Tyler oferece ajuda e Nora, após relutar, obtém autorização da Diretora Gordon (Rachel Griffiths) para continuar seus ensaios com o faxineiro. Tyler, mesmo sendo acostumado somente às danças de rua, acaba se envolvendo com a dança, e supera todos os seus limites para ajudar Nora, enquanto, através da dança, nasce um novo amor.

Perceberam como tudo é bastante óbvio o repleto de clichês? Tudo o que foi escrito acima pode ser visto em vários outros filmes, tanto de qualidade superior quanto de inferior. O que diferencia “Ela Dança, Eu Danço” dos outr0s é que a diretora estreante Anne Fletcher não tem vergonha dos clichês e da obviedade do seu filme, o que lhe dá vários pontos a seu favor. Ela sabe usar extremamente bem o roteiro bobinho escrito a quatro mãos por Duane Adler e Melissa Rosenberg, e não deixa os clichês tão escancarados para o público. Só que impossível não se irritar com a obviedade constante da película, já que a cada momento você visualiza exatamente como é a cena seguinte. Até as “reviravoltas” (que não têm nada de reviravoltas, a não ser na cabeça da diretora e dos roteiristas) são extremamente previsíveis e bobas, não trazendo o mínimo de surpresa para o espectador, mas também não chegando a incomodar. Apesar da presença de tanta obviedade, o filme chega a emocionar em alguns momentos, e o ponto onde ameaça decolar é quando o amor de Tyler e Nora começa a ser explorado. No entanto, o ponto alto do filme são os ensaios da dupla, que se mostra bastante desenvolta para dançar (muito bem, diga-se de passagem) diante das câmeras. Mesmo parecendo um absurdo o desenvolvimento de Tyler de uma hora para outra, as cenas de dança são ótimas, principalmente a da apresentação final que, apesar das “reviravoltas” tentarem, sem sucesso algum, esconder, é feita mesmo entre Nora e Tyler. Outro ponto que merece destaque é o fato de que a diretora não coloca os protagonistas no mesmo plano, dando muito mais destaque a Tyler. São mostradas inúmeras cenas da vida cotidiana do rapaz, enquanto que as cenas com Nora, isoladamente, são bastante resumidas, e sempre mostrando a relação instável que a garota tem com a mãe. Outra personagem que, na minha opinião, poderia ter mais destaque é a Diretora Gordon, interpretada muitíssimo bem pela australiana Rachel Griffiths (sobre quem falarei mais abaixo). Sua participação na trama é boa, mas, em virtude da importância de sua personagem, poderia ter sido mais explorada. Há de se destacar também a trilha sonora do longa. As músicas estão longe de ser a chatice que ouvimos na maioria dos filmes relacionados a música e dança. As músicas tocadas representam perfeitamente as situações expostas na tela, e as que embalam as coreografias são extremamente adequadas e propícias para o tipo de dança apresentado. Acerto imenso so longa, que eu atribuo ao fato de a diretora Anne Fletcher ser uma experiente e renomada coreógrafa norte-americana. No entanto, o grande erro do filme é o de, por vezes, usar mecanismos baratos e desnecessariamente sentimentalistas para tentar emocionar o espectador. O ponto onde isso ocorre descaradamente fica próximo do final, quando há um assassinato totalmente desnecessário, sem o qual a trama não perderia em nada. É uma pena que alguns diretores insistam em lançar mão de tais elementos, que têm cada vez menos espaço no cinema moderno, em seus filmes ainda nos dias de hoje.

O elenco de “Ela Dança, Eu Danço” é muito bem escolhido, com destaque para o protagonista Channing Tatum e para Rachel Griffiths. O protagonista, cujo personagem, Tyler, é muito mais explorado que o  da outra protagonista, Jenna Dewan, tem muito carisma e personalidade, o que o credencia facilmente ao papel que lhe foi dado. Inclusive, na minha opinião, esse carisma do ator foi um dos fatores motivadores para Tyler aparecer muito mais que Nora. Apesar de tanto carisma, sua atuação não chega a ser espetacular, nem a melhor do filme. O posto de melhor do filme fica com Rachel Griffiths, que acrescenta uma grande dose de brilhantismo à sua personagem, a Diretora Gordon. Caso a diretora fosse interpretada por uma atriz não tão talentosa quanto Rachel, com certeza sua importância não seria tão evidenciada, e ela se tornaria apenas mais uma personagem secundária. Janna Dewan interpreta a protagonista feminina da trama, e, mesmo não convencendo, tem uma atuação ok. Os outros coadjuvantes não têm grande destaque, ficando nivelados em um nível regular.

“Ela Dança, Eu Danço” tem todos os elementos possíveis para não ser levado a sério, e para cair no lugar-comum dos filmes adolescentes. Mas é a própria consciência de sua diretora que acaba salvando o filme, que, mesmo estando longe de ser uma obra-prima, acaba agradando e divertindo. Utilizando verdadeiros atores que sabem dançar, vale a pena passar os 103 minutos do filme aguardando pelas cenas de dança, que terminam em uma maravilhosa apresentação final. “Ela Dança, Eu Danço” consegue passar seu recado, mesmo não sendo com a melhor das premissas.

Por Danilo Henrique